Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations windows at Bergdorf Goodman

The Met gala has come and gone, which means only one thing: there is a major fashion exhibition underway in New York City! After Alexander McQueen Savage Beauty (post here), the venerable institution gives us Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations, on show starting today until August 19th 2012. Every year, Bergdorf Goodman designs its 5th Avenue windows as a tribute to the annual Met fashion exhibition. Since you loved my 2011 post on the Alexander McQueen windows, here are the images for 2012 with Prada galore.

The exhibition compares the designs of two iconic Italian women from different eras. Elsa Schiaparelli worked in Paris from the 1920s until 1954. As for Miuccia Prada, she took over her family business in 1978 and is celebrated as one of the most influential designers of our times. Inspired by Vanity Fair’s “Impossible Interviews” from the 1930s, the Met conceived the exhibition as a series of imaginary conversations between both women. The windows are full of quotes sharing striking similarities in their vision of fashion.

Schiaparelli “In order to build more solidly one is sometimes obligated to destroy. One should learn to understand the language of the people, and at the same time help to build a new elegance of manners and clothes, a new aristocracy, fit to co-ordinate with the crude rhythm of modern life.”

Prada “Most of my work is concerned with destroying – or at least deconstructing – conventional ideas of beauty. An important aspect of my work is exploring what beauty means today.”

Prada “I never dress in front of a mirror. I don’t even have a good mirror at home. I prefer to dress to the idea of myself. Reality doesn’t interest me as much.”

Schiaparelli “When you take off your clothes, your personality also undresses and you become quite a different person – more true to yourself and to your real character, more conscious, sometimes more cruel.”

Schiaparelli “A dress cannot hang like a painting on the wall. A dress has no life of its own unless it is worn, and as soon as this happens another personality takes over from you and animates it.”

Schiaparelli “I enjoy creating for the woman who, no matter what her years, wears my clothes with the poise of youth.”

Prada “Women always try to tame themselves as they get older, but the ones who look best are often a bit wilder.”

The last 2 windows are an ode to surrealism with designs from this summer’s Prada collection.

Also featured are the book dedicated to the exhibition and Prada goodies in the smaller windows.

Ah, the shoes. Don’t get me started on the shoes.

Do the Bergdorf windows make you want to hop over a few blocks to the Met? They sure did for me!

NY diary: memories of Alexander McQueen Savage Beauty at the Met

When Savage Beauty opened in May, we admired the magnificent windows Bergdorf Goodman had designed around the exhibit. Now that the retrospective is over, it is time for me to share with you my pictures and impressions of New York’s biggest fashion event so far this year.

I headed to the Met first thing in the morning on a fine day with the Ritournelle parents. Luckily we did not wait one second to get inside. Two expressionless hostesses greeted us at the entrance, one of them wearing this dress made entirely of razor shells. The mood was set: darkness, romanticism and creations of a unique imagination were to be expected.

The model wearing this dress broke the shells as she walked during the spring 2001 show to symbolize how ephemeral fashion is. / Le mannequin portant cette robe cassait les coquillages pendant le défilé printemps-été 2001 pour symboliser l’éphémère de la mode.

The first room showcased Alexander McQueen’s mastery of tailoring. Do you see how he reinvented the jacket, a typical menswear item, to create such singular, feminine and powerful pieces? A former Savile Row apprentice, McQueen used to say, “I spent a long time learning how to construct clothes, which is important to do before you can deconstruct them.” (All quotes were written on the exhibit walls and are excerpts from the amazing book on Savage Beauty.)

“When you see a woman wearing McQueen, there’s a certain hardness to the clothes that makes her look powerful. It kind of fends people off.” The sharp shoulders coupled with a tailoring sensually embracing the curves of the body became a signature of McQueen, giving birth to a woman both romantic and threatening. The cowl neck is another stylistic code of the house (as we saw on Pippa’s bridesmaid dress).

At this point I was starting to feel gently oppressed by the melancholic music, the lack of light and space when surprise! I was greeted by an army of mannequins wearing bondage leather masks in the next room. They were a bit unsubtle in my opinion and certainly contributed to Papa Ritournelle flatly qualifying the whole exhibit as “bizarre”.

Widows of Culloden – fall / winter 2006

However I was dazzled by four of the last dresses McQueen designed; they were featured in a show one month after the designer took his own life. The coat of duck feathers painted gold over the white silk skirt embroidered with gold thread is my favorite look from Savage Beauty.

A cabinet of curiosities showcased the accessories, all true works of art and craftsmanship. Savage Beauty would have been incomplete without Philip Treacy’s hats: they played a major part in the magic quality of the shows. Treacy would reveal his designs to McQueen at the last minute and Lee would be impatient and excited like a child before Christmas. As far as I’m concerned, I still wonder what kind of bird lays Swarovski eggs in a silver nest.

These regal designs embroidered with crystals are part of the fall 2008 collection. McQueen was inspired by a 600-year-old elm growing in his countryside garden: he imagined that a feral girl lived inside and once crept out at night to meet a prince and became his queen. McQueen traveled to India and came back to his studio fascinated by embroideries and Great Britain’s colonial past. Thus was born the collection The Girl Who Lived in the Tree.

Shipwrecked pirates and courtesans discovered a threatening paradise in Amazonia for the spring 2003 show. McQueen wanted to create a gown whose splendor had been devastated by the ocean. A technical masterpiece, the skirt of the Oyster dress is made of hundreds of organza circles and the whole silhouette seems to be dripping with water and seaweed. McQueen owed a lot to his years at Givenchy for this design: he learned to play with the lightness of materials and to soften his silhouettes at the couture atelier.

Here is the dress that closed the spring 2007 Sarabande show. On an organza base are embroidered silk and natural flowers. When it appeared on the runway, the crowd started clapping as flowers fell off the dress unto the floor, thinking McQueen had wanted to create this effect when it was truly an accident. The designer said of this design, “I used flowers because they die. My mood was darkly romantic at the time.

McQueen was passionate about birds. This pheasant-feather dress from the Widows of Culloden collection is one among a multitude of designs paying tribute to them. “Birds in flight fascinate me. I admire eagles and falcons. I’m inspired by a feather but also its color, its graphics, its weightlessness and its engineering. It’s so elaborate. In fact I try and transpose the beauty of a bird to women.”

My second favorite dress from Savage Beauty is another mysterious silhouette from Widows of Culloden. I am impressed by the delicate work of embroidery and the incongruous antlers poked through a precious piece of lace. (McQueen himself was baffled he had done this to an item worth £2,000.) The design was inspired by the dress he had created for Sarah Burton’s wedding 2 years earlier.

Plato’s Atlantis, the last collection presented by Alexander McQueen, closed the exhibition with its notorious shoes / instruments of torture. I had already told you about it here when it was showcased in Bergdorf Goodman’s windows. “[This collection predicted a future in which] the ice cap would melt… the waters would rise and… life on earth would have to evolve in order to live beneath the sea once more or perish… Humanity [would] go back to the place from whence it came.”

Have you had a chance to see Savage Beauty? What are your thoughts? Alexander McQueen’s designs will soon be shown in New York again with an exhibit on his muse Daphne Guinness at the FIT Museum.

Après vous avoir montré les magnifiques vitrines de Bergdorf Goodman sur Alexander McQueen Savage Beauty, voici mes photos et impressions sur la géniale rétrospective qui vient de se clôturer à New York. Je me suis rendue au Met un beau jour avec les parents Ritournelle dès l’ouverture du musée. Quel bonheur d’accéder à l’exposition sans attendre une seule seconde! Deux hôtesses à l’air farouche nous accueillaient ; l’une portait cette robe entièrement ornée de couteaux. Hum, je ne me sentais pas du tout menacée.

La première salle mettait en valeur le génie de la coupe d’Alexander McQueen. Vous voyez comment il réinventait la veste, habit d’homme, pour la rendre aussi singulière, féminine et forte en caractère ? Ancien apprenti de Savile Row, McQueen disait : « J’ai passé beaucoup de temps à apprendre à construire les vêtements, ce qu’il est important de maîtriser afin de pouvoir les déconstruire. » (Toutes les citations étaient inscrites sur les murs du Met et sont tirées du magnifique livre conçu à l’occasion de l’exposition.)  « Quand vous voyez une femme portant du McQueen, il y a une certaine dureté dans les vêtements qui la rendent forte. Ca peut en déconcerter certains. » Les épaules carrées mariées aux coupes épousant sensuellement les courbes du corps devinrent l’une des signatures de McQueen, donnant naissance à une femme à la fois romantique et menaçante. Le col bénitier était aussi un code stylistique reconnu de la maison (comme on a pu le voir sur la robe de Pippa).

Arrivée à ce stade de l’exposition, je commençais à être bien imprégnée de la musique lancinante, du peu de lumière et d’espace avec la foule. Et lorsque j’entrai dans la salle suivante, surprise ! Une armée de mannequins aux masques de cuir sado-maso m’accueillait. (Pas étonnant qu’à la sortie Papa Ritournelle lâcha que cette expo était tout simplement « bizarre ».) Heureusement je fus vite éblouie par ces quatre robes issues de la dernière collection créée par Alexander McQueen. La silhouette avec le manteau de plumes de canard peintes sur la jupe de soie blanche brodée au fil d’or est ma préférée de Savage Beauty.

Ensuite un cabinet de curiosités exposait les accessoires. Savage Beauty aurait été incomplète sans les chapeaux créés par Philip Treacy pour Alexander McQueen. De véritables œuvres d’art qui contribuaient largement à l’émerveillement des défilés. Treacy avait pour habitude de révéler ses créations juste avant à McQueen, excité comme un enfant à Noël. Moi je me demande toujours quel type d’oiseau sort des œufs Swarovski et du nid d’argent.

Ces ensembles de soie brodés de cristaux à l’allure impériale sont issus de la collection automne-hiver 2008-2009. Alexander McQueen s’était inspiré d’un orme vieux de 600 ans qui trônait dans son jardin : il imaginait qu’une fille sauvage habitait à l’intérieur et en sorti une nuit pour rencontrer un prince et devint sa reine. Un voyage en Inde plus tard, McQueen retourna à son atelier fasciné par les broderies et le passé colonial de la Grande-Bretagne, et la collection The Girl Who Lived in the Tree était née.

La collection printemps-été 2003 nous plongeait dans le naufrage d’un navire où pirates et courtisanes échouaient en Amazonie. McQueen avait voulu créer une robe dégoulinante de soie comme si l’océan l’avait ravagée. Véritable prouesse technique, la jupe de la robe Oyster est faite de centaines de cercles d’organza. McQueen doit beaucoup à son passage chez Givenchy pour cette création : c’est là qu’il a appris à jouer avec la légèreté des matières et à adoucir ses silhouettes.

Voici la robe qui a fermé le défilé de la collection printemps-été 2007 Sarabande. Sur une base d’organza sont brodées des fleurs de soie et naturelles. Quand elle est apparue, les spectateurs ont applaudi en voyant les fleurs se détacher et tomber au sol, pensant que c’était un effet désiré alors que c’était en fait un accident. McQueen avait utilisé des fleurs car elles meurent rapidement ; son état d’esprit était alors « sombrement romantique ».

Drôle d’oiseau! Issue de la collection Widows of Culloden, cette robe aux plumes de faisan symbolise l’amour de McQueen pour eux. Il s’était même initié avec sa muse Isabella Blow à la fauconnerie. « Les oiseaux en vol me fascinent. Je suis inspiré par les plumes, leur couleur, leur forme, leur légèreté et leur fonctionnement. C’est tellement sophistiqué. En fait j’essaie de donner la beauté d’un oiseau à la femme. »

Mon autre robe préférée de l’exposition, toujours de la même collection : je reste émerveillée devant le travail délicat de broderie et les curieux bois de cerfs transperçant une dentelle précieuse. (McQueen s’étonnait lui-même qu’il avait pu faire ça à un objet valant £2000.) Elle est inspirée de la robe que le créateur avait dessinée pour Sarah Burton à l’occasion de son mariage 2 ans plus tôt.

Plato’s Atlantis, la dernière collection présentée par Alexander McQueen de son vivant, clôturait l’exposition avec ses chaussures-torture. Je vous en avais parlé dans ce billet lorsqu’elle a été mise en avant en vitrine de Bergdorf Goodman. « Cette collection prédisait un futur dans lequel la calotte glaciaire fondrait… les eaux monteraient et… la vie sur Terre devrait évoluer pour survivre sous l’eau ou périr. L’humanité devrait retrouver l’endroit d’où elle est venue. »

Avez-vous pu voir Savage Beauty ? Qu’en avez-vous pensé ? Pour l’instant il n’est pas prévu que la rétrospective voyage mais on reverra la mode d’Alexander McQueen bientôt à New York avec l’exposition dédiée à Daphne Guinness au FIT Museum.